No Insista

Georgina Sánchez Celaya

Historiadora del arte / curadora

Agradezco a Sara García (posgrado FFyL / UNAM) por la revisión del texto y sus comentarios así como el apoyo que nos brindó la Universidad Autónoma del Estado de Morelos para el montaje de la exposición.

Para Rubén Deneb colega y amigo entrañable

No Insista. Arte en la resistencia, un frente contra la violencia.

¿Es posible hablar de la violencia a través del arte sin aludir directamente a hechos crueles y atroces? Esta es la pregunta que ha detonado la propuesta expositiva No Insista. Reproducir y circular imágenes con contenidos de brutalidad explícita, puede conllevar a la apología de la violencia, por lo que el tema exige ser abordado desde otras perspectivas más allá del morbo, el sensacionalismo y la cultura el shock.

Desde luego, no se trata de ponerse una mordaza y una venda en los ojos ante una situación crítica que implica una fuerte crisis social y política que agravó en 2006 con una supuesta guerra contra el narcotráfico, la cual, en palabras del académico y activista por la paz -Pietro Ameglio- es en realidad una lucha por el monopolio de un gran negocio de mercancías ilegales, cuya condición sine qua non de subsistencia es el dominio del “territorio del delito”; es decir, ese espacio marcado por la impunidad y la corrupción donde se encuentran las principales rutas de tráfico y comercio de drogas.

De esta manera, la propuesta del proyecto No Insista es no “estetizar” la violencia, sino empezar a hacerle frente a partir de cuestionamientos básicos que nos permitan comprender en dónde radica el origen de la misma, así como asimilar sus consecuencias y el daño al tejido social para empezar a recomponerlo. La pieza “México Aquí”, por ejemplo, construida a partir de la recopilación de diferentes cifras tanto de muertos como de desaparecidos en México desde 2006 mismas que circulan en medios de comunicación, da pie a diferentes preguntas: ¿cuál ha sido el método empleado para obtenerlas? ¿por qué no tenemos una cifra exacta de muertos y desaparecidos? ¿por qué varían tanto de una fuente a otra? Y sobre todo ¿por qué no hay un desglose dentro de las mismas y una análisis más allá de lo cuantitativo? ¿quiénes son esos “muertos” y esos “desaparecidos”? Estas y otras preguntas surgieron al trabajar con dichas cifras para la re-contextualización y la reactualización de la pieza –propuesta original de 2011–, lo cual, sin duda, generó más incertidumbre que certezas, más preguntas que respuestas.

Las obras aquí reunidas y de esta manera presentadas constituyen una instalación-exposición, el ensamblaje de grabados sugiere un cerco simbólico en el espacio, el cual habla del cerco en el que nos encontramos al no poder entender el porqué de los hechos de violencia en México. En este contexto particular, las fotografías que se presentan como parte de la instalación, aluden tanto al exterminio masivo que ha dejado la “guerra” como a los casos de desapariciones y a la desaparición forzada como táctica propia de las dictaduras, una estrategia cuya finalidad principal es infundir miedo y desconcierto en la sociedad para así lograr paralizarla. La intención del artista al integrar esta serie de fotografías en una propuesta instalativa, mismas que representan un cuerpo que se difumina en el espacio y que no muestra el rostro, es proporcionar materialidad a muchas de esas ausencias producto de la desaparición forzada y la guerra, es además un acto simbólico que busca dotar de presencia a la evanescencia que deja la desaparición forzada. Al mismo tiempo, esos cuerpos nebulosos como el recuerdo, permanecen bordeados no solo por el cerco simbólico de la violencia, sino también por la barrera que significa la impunidad y la falta de aplicación de justicia expedita en México, pues ciertamente estamos muy lejos de algo parecido a la “verdad histórica” que nos haga comprender el quién y por qué de las oleadas de criminalidad y los hechos de violencia, los cuales se suceden uno a uno, al parecer, sin conexión alguna aparente entre ellos.

Empezar a reconstruir la historia más allá de las cifras, así como compartir experiencias y poner sobre la mesa las consecuencias que ha traído a nivel individual y social tanto la constante exposición a la violencia como su visibilización masiva, podría ser un buen inicio para romper el cerco de la ignorancia así como el pasmo involuntario en el que muchos de nosotros nos encontramos. Desde su trinchera, el arte también puede contribuir al panorama de discusión sobre los hechos de violencia en México. Al ser un termómetro de lo social y un escaparate, el arte puede generar espacios de discusión que nos permitan resignificar los hechos que suponen un trauma. Finalmente, reflexionar y discutir sobre estos temas, es nuestra mejor arma para hacer frente a la violencia, pues como apunta Pietro Ameglio, en la medida en que conceptualizemos mejor, lucharemos mejor. 

ACTIVIDADES PARALELAS

Conversatorio: "La violencia en la era de la imagen"

Tacón dorado

Génesis de un proyecto

Del 16 de abril al 14 de mayo de 2015 tuvo lugar la muestra titulada Tacón dorado, esto en el espacio alternativo de “La Esmeralda”. La exposición fue un proyecto colaborativo que presentó el trabajo de dos artistas: Fernanda Robles, en ese momento estudiante de sexto semestre de la Escuela de Pintura Escultura y Grabado del CNA y Gimena Romero, artista emergente egresada de la misma institución. Tacón Dorado fue mi cuarto proyecto expositivo llevado a cabo de manera independiente y con recursos ciertamente limitados, al igual que los tres anteriores.

La génesis de mi participación en la muestra se remonta a finales del 2014, cuando Gimena Romero me pidió elaborara el texto de sala para la muestra. Después de varias charlas y reuniones en el estudio de la artista, me involucré de manera conciente en el proyecto hasta asumir un papel más activo que terminó bajo el amparo del término curaduría.

El tema de la exposición fue el Manicomio General “La Castañeda” y la vida de las mujeres al interior durante el primer periodo de la institución que va de 1910 a 1920, según la periodización propuesta por el historiador Andrés Ríos Molina. La primera fase del proceso creativo consistió en la visita de las artistas al Archivo Histórico de la Secretaría de Salud, el cual contiene los expedientes clínicos de los enfermos mentales internados en instituciones psiquiátricas como el Hospital del Divino Salvador mejor conocido como “La Canoa” y el Manicomio General. Cabe mencionar, la revisión documental en dicho archivo abarcó hasta el año de 1916.

Cuando empezamos a negociar mi participación en el proyecto, tanto Gimena como Fernanda se encontraban en la segunda fase que fue el proceso de producción de las piezas, esto después de haber pasado por la revisión documental de los fondos mencionados y la consulta de fuentes bibliográficas entorno al tema de las instituciones de salud mental en el país y el desarrollo de la psiquiatría en México.

Tacón dorado tuvo una lógica de trabajo que obedeció a necesidades muy puntuales. La principal preocupación de las artistas era integrar su obra en el espacio de tal manera que esta dialogara y luciera armónica. Las dos artistas estaban concientes de las diferencias en sus lenguajes plásticos pero sobre todo de la divergencia en sus intereses conceptuales. Mientras que Gimena Romero fue conmovida por la psique y los casos de la mujeres internadas, los cuales individualizó en 14 fotobordados, por “salud mental” Fernanda Robles tomó distancia de los expediente clínicos por considerarlos de una alta carga emocional difícil de manejar tanto a nivel personal como a nivel artístico, sin embargo, debo mencionar, esto no fue un impedimento para que se metiera de lleno al análisis de los documentos y realizara lecturas sobre el tema. Por consiguiente el trabajo de Robles se enfocó en una reflexión sobre arquitectura y memoria, y, tocada por la ausencia del edifico que fue demolido en 1968, tradujo el plano de la Castañeda en tela mediante la técnica del gofrado.

Así, de un mismo archivo resultaron piezas distintas enfocadas en dos aspectos diferentes de un mismo tema, lo cual permitió ahondar más en la complejidad de la institución y en el contexto emocional y social de la internas. Los fotobordados de Gimena Romero constituyen una reinterpretación de las fichas de los expedientes clínicos, un acercamiento a la feminidad que enmarqué dentro del trabajo de Bataille sobre el erotismo. El gofrado de Fernanda Robles es una preocupación por la re-construcción del espacio, pero no sólo desde la parte física, es decir, desde su materialidad, sino también desde la parte simbólica, la cual aterriza en un tropo de la memoria que habla de la colectividad. Desde el aspecto formal, los fotobordados exploran el dibujo y hablan a partir de la línea y el color, el hilo y la aguja funcionan como método de intervención en las reproducciones de los expedientes en tela para resarcir y reconstruir la historia personal de las internas. Por otro lado, mediante el gofrado se logra la reproducción de un plano arquitectónico a gran escala donde se mezclan formas y texturas, las cuales crean varios niveles, mismos que pueden homologarse a las capas o los recovecos de la memoria.

El reto que me lanzaron las artistas al invitarme a trabajar con ellas fue entender sus lenguajes plásticos para hermanar su trabajo mediante el montaje de sus producción artística en el espacio expositivo. A la par, tuve que diferenciar sus procesos creativos y entender sus inquietudes temáticas para traducir esto en el texto de sala. De igual manera fue importante escuchar sus experiencias al enfrentarse con los fondos documentales del archivo para comprender a cabalidad la génesis del proyecto, su desarrollo y el resultado final de las piezas. Entonces, más que ofrecer un planteamiento temático, mi participación consistió en comprender y contextualizar el proyecto, brindar un marco teórico que funcionara como una vía de acercamiento a los problemas expuestos, además de lograr que todo lo antes planteado se tradujera en una experiencia para el visitante. Mis herramientas de trabajo fueron el texto de sala, la propuesta de montaje junto con los recursos museográficos básicos, además del trabajo en redes sociales para comunicar los contenidos de la exposición. 

INAUGURACIÓN  TACÓN DORADO

 INAUGURACIÓN 

 COCKTAIL DE INAUGURACIÓN Y DJ´S

 RESULTADO FINAL

MONTAJE

Complex Antiform: Una fusión de conceptos antagónicos.

Complex Antiform:

Una fusión de conceptos antagónicos

“La máscara es el otro yo (…) es expresión de la personalidad suprareal del hombre."

PAUL WESTHEIM

Georgina Sánchez Celaya/Historiadora del Arte

Al mirar la serie Complex Antiform, pensarás en imágenes confusas, -como una nebulosa salpicada de materiales rocosos producto de una explosión en el universo- ahora bien, puedes seguir o abandonar la idea. Decidiste continuar, entonces, tu vista transitará por un remolino de conceptos antagónicos aterrizados en la materialidad pictórica: implosión-explosión, concavidad-convexidad, expansión-contracción, fuerzas centrifugas en oposición a las fuerzas centrípetas, formas amorfas que se desbordan en el espacio, pero a su vez, no dejan de estar contenidas por los límites del lienzo. No obstante, todo este remolino de contradicción abstracta, parte de un principio figurativo tan arcaico como el arte mismo: la máscara. Quizá no las veas, quizá en algunas piezas las descubras y las reconozcas, y así te percates que son un referente visual tan arraigado en nuestra memoria colectiva, que las reconocemos sin importar de que periodo histórico provengan o a que cultura pertenezcan.

En la serie Complex Antiform, la máscara prehispánica es el núcleo unitario que da vuelo al proceso creativo del artista, es además, el eje medular del cual se desprenden los demás elementos pictóricos, como la línea, el color y la textura. La máscara no sólo implica la posibilidad de escondernos y ocultar nuestro verdadero rostro, en su definición mágico-religiosa, es parte de un ritual, y a través de su uso, se propicia la transmutación del hombre que la porta. Como ha señalado Paul Westheim la máscara “es la fuga hacia otra personalidad”, y las pinturas que en esta ocasión nos presenta Francisco Muñoz, bien podrían entenderse como ejercicios no sólo pictóricos sino escultóricos en los que el artista se fuga de sí mismo.

Todas las pinturas que conforman la serie Complex Antiform se definen por principios duales y se debaten en la eterna dicotomía de lo abstracto y lo figurativo. Cada pieza fue realiza con rapidez –algunas en cuestión de horas-, por lo pueden pensarse como el resultado de un ejercicio dancístico, es decir, como algo espontáneo pero a la vez producto de la práctica constante, o bien, como las rutinas de un entrenamiento físico exhaustivo; lejos de ser una práctica premeditada que deriva de una larga y forzada reflexión filosófica. Es por eso que la pintura de Francisco Muñoz resulta dinámica, vivaz y explosiva, pero no por eso carece de un largo y estudiado proceso de trabajo, en el que se cuelan la experimentación, el aprendizaje constante y la asimilación de otros estilos sin necesidad de copiarlos.

Frank es un artista que se enfrenta y se arroja al lienzo sin miedo, quizá por eso obtiene resultados formales que el mismo califica de burdos o primitivos, conceptos que ya no tienen más una connotación peyorativa para el arte, pues en un mundo abarrotado de estímulos, no sólo visuales sino auditivos, donde la saturación de imágenes crece exponencialmente, pareciera que un retorno a los orígenes, a lo primitivo, es algo digno de anhelar.

Para el artista, un sólo lienzo es insuficiente, apenas en una serie logra satisfacer su compulsión por la pintura, la cual siempre lleva al límite, momento en el que decide reinventarse. Actualmente Francisco Muñoz atraviesa por un nuevo periodo en su carrera artística, donde se aprecia una mayor cohesión y nivel de diálogo en los elementos pictóricos que componen sus piezas. Después de la serie Coatlicue UFO -el alter ego futurista de la diosa madre prehispánica-, Complex Antiform llega como un escalón más en su trayectoria el cual, sin duda, pronto será superado por la inquietud y la tenacidad que caracteriza al artista.

No queda más que invitarlos a este baile de máscaras para disfrutar lo complejo de la forma, pero también la simplicidad de este tipo de pintura que se presenta al público de manera natural y sin pretensiones.

Más imágenes de la exposición en el tumbler del artista:

http://franciscomunoz.tumblr.com/ 

Imagen del texto de sala que escribí para la exposición "Complex Antiform." en Oficina de Arte 

Foto: Francisco Muñoz.

"Los centros se desplazan"

Los centros se desplazan

Reseña del festival Entijuanarte Frontera Creativa 2013.

Por Georgina Celaya 

El pasado 4, 5 y 6 de octubre de 2013, se celebró en la ciudad de Tijuana una gran exposición en la explanada del CECUT, la cual contó con propuestas de artistas emergentes de distintos estados de la República, esto dentro del marco de la novena edición del festival Entijuanarte. Tuve la oportunidad de participar en el evento como curadora de dos stands de cuatro artistas, y quedé muy complacida y satisfecha con todo lo que vi, a continuación una reseña de lo más destacado de la producción visual que se mostró en el evento. 

Tijuana dejó de ser frontera para convertirse en un centro donde se dan cita artistas de diferentes partes de la República, principalmente del norte del país. Ahora ya no podemos considerarla simplemente como una ciudad periférica, definida por su condición fronteriza y sus problemáticas migratorias y de violencia, las cuales se han convertido en un estigma y un verdadero lastre para la ciudad. En Tijuana hay algo más que tequila, sexo, maquila y mariguana, y es precisamente una oferta cultural en crecimiento, así como la condición de ser un escaparate para artistas de otros estados, algo que caracteriza al festival Entijuanarte. 

De Torreón Coahuila, después largas horas de viaje en camión y retenes militares, llegó el colectivo “El Chanate Móvil”, una propuesta de cuatro jóvenes que construyeron un taller de grabado y galería ambulante en un triciclo. El vehículo está diseñado con la finalidad de llevar arte a zonas donde hay poca o nula oferta cultural, y está equipado con un tórculo, materiales de impresión y 8 mamparas plegables para la exhibición de los grabados. La temática del trabajo que presentaron para esta ocasión giró en torno a la movilidad ciclista, un tema crucial que compete tanto a las ciudades con un proceso de urbanización caótico y descontrolado -como lo es el del D.F.-, o bien ciudades con alto potencial para ofrecer a sus ciudadanos una vida segura y cómoda sobre dos ruedas, como La Paz, Baja California Sur y Tijuana, por ejemplo.

Dentro de los stands más sobresalientes que  personalizaron cada uno de los participantes está el de Adair Vigil, originario de Saltillo, Coahuila, un artista que trabaja a base de  cut out, es decir, recortando superficies de papel y recreando la flora que surge, por ejemplo, de pasaportes, los cuales le son obsequiados. Adair interviene  objetos en los que las formas vegetales que emanan de ellos, regresan al papel a su estado primigenio de manera metafórica.

De Baja California, lo más destacado fue Nade Urquieta (Tijuana) con su serie Hembras, rostros de mujeres muy femeninos y estetizados hechos con una mezcla de técnicas que van desde dibujo, acuarela, collage con retazos de tela, hasta fotografía e intervenciones digitales. Cabe destacar que sus piezas tuvieron un éxito comercial bastante notable.

Cheram Morales nacido en “la mera Tijuas”, presentó un tríptico de maderas grabadas que muestran tres personajes, uno de ellos, ‑un trabajador de la maquila‑ está acompañado con la siguiente frase: “Estoy cansado de ser el maquilador de sueños de unos cuantos en el poder”; también un wheatpasting que aun se puede encontrar en las calles de Tijuana. Cheram es uno de los talentos artísticos más activos de Tijuana, su trabajo bien podría definirse como estética relacional, pues sus proyectos crean intersticios donde es posible el esparcimiento y el descubrimiento del arte (Parada Art-bus, obras pictóricas que ensambladas forman una banca para la parada de camión, en zonas sin infraestructura adecuada para el transporte es un ejemplo). Junto con un equipo multidisciplinario, Cheram Morales ha llevado a cabo diferentes iniciativas como proyecto Traila, un espacio en sí mismo para el desarrollo de actividades artísticas que busca involucrar a comunidades de la periferia de la ciudad.

En el stand de Richard Mendtorr -también originario de Tijuana-, se podían apreciar una serie de óleos y dibujos con una alta carga de crítica social, haciendo referencia, entre otros temas, a la alienación que genera la religión, o bien a los efectos que produce una célula familiar disfuncional en un niño de secundaria, uno de sus tres alter egos. Mendtorr posee una técnica pulida que habla del dominio del material y el soporte con el que se expresa, además, es un artista completo que ha trabajado en la construcción de su imagen pública-artística,  mediante la creación de personajes que están presentes en toda su obra, haciendo de la pintura un acto performático más que mimético, en el sentido de copia de la realidad y de representación. 

Desde La Paz, B.C.S., Gabriel Rodríguez, mejor conocido como “El Gabo”, presentó una serie de cuadros abstractos en los que juega con la composición de la línea de horizonte, el accidente y la textura. Su stand contó con un sillón que podía ser intervenido con latas de spray y plumones, una de las mejores estrategias de interacción con público de todo el festival. El stand del Gabo se convirtió en un “espacio zen” de descanso para los artistas (la mayoría de ellos desvelados, crudos o agotados), quienes acudían a el como a un oasis, ya sea para beber, fumar, dormir o simplemente contagiarse de la buena vibra del artista.

De Mazatlán, Sinaloa, Carlos Zazueta, quien se acerca al arte desde el diseño gráfico, hizo una selección de lo más representativo de su producción para el público de Tijuana. En su stand había una obra de la serie le Paisajes extranormales, un conjunto de piezas que se miran en 3D con la ayuda de un par de lentes rojiazules. Además, presentó un conjunto de obras en las que mezcla técnicas tanto alternativas como tradicionales, que incluye pintura, gráfica, serigrafía, ilustración, dibujo e impresión digital. Una de las obras más lúdicas y dinámicas de su propuesta es Acción, tiempo y lugar, una impresión sobre dos láminas de acrílico transparente que generan distintos planos, los cuales envuelven al espectador en la contemplación de un paisaje psicodélico acompañado de bellas ballenas. Carlos Z., nombre artístico del sinaloense, tiene una propuesta fresca y sencilla que deja ver mucho de la actitud del artista ante la vida, su versatilidad es una característica que define su trabajo, y sin pretensión alguna, logró ser de lo más sincero en el festival.

Otro proyecto que se presentó en Entijuanarte 2013 fue RD galería, un espacio inaugurado en el 2010 para impulsar a los artistas emergentes de Aguascalientes, dentro de sus propuestas más sobresalientes está el trabajo de JF Elías, quien destacó con la pieza La soga de la cordura, un políptico conformado por  tres dibujos y un cuadro más donde reza lo siguiente: “Somewhere better than this place”. La obra es una alusión a ese “algo invisible” que mantiene la tensión adecuada entre la delgada línea que separa la vida y la muerte, en esta pieza se pueden apreciar dos cuerpos femeninos desnudos, una osamenta y una cabeza de cerdo de carnicería, todo cuelgan de una soga donde la estabilidad es ilusoria y vulnerable; todos los elementos en los cuadros buscan estar “en algún sitio mejor que este lugar.” 

La escena cultural que se está desarrollando en Tijuana, junto con la experiencia de vivir la ciudad y consumir la cultura que oferta, genera la impresión de que el centro, ‑entendido como una construcción simbólica más que geográfica‑ se está desplazando hacia al Norte, y que la frontera ya no es más una zona limítrofe, sino un nuevo espacio de discusión y creación artística. En definitiva se están generando nuevos puntos de encuentro en el país, o bien centros más activos e innovadores, y Tijuana es uno de ellos, pues no sólo cuentan con una producción local propia bastante notable y de alta calidad, sino que ahí están confluyendo varios artistas del norte. 

Googlealos y Feisbuquealos:

Artistas que participaron en el festival y que debes conocer: Valeria Alvarado (Xalapa), Anahí Tirado Miranda (D.F.), Cynthia Chong (D.F.) y Normuerto Cano Rea (Coahuila).

A continuación lo sitios electrónicos de los artistas. 

Adair Vigil (Saltillo, Coahuila)

 http://adairvigil.blogspot.mx/

Colectivo Chanate Móvil (Cohahuila)

https://www.facebook.com/pages/Chanate-M%C3%B3vil/241489082643106?fref=ts

Nade Urquieta (Tijuana)

https://www.facebook.com/nade.urquieta?fref=ts

Cheram Morales (Tijuana)

http://cheram-morales.blogspot.mx/p/proyecto-traila.html

RicHard MendTorr (Tijuana)

http://mendtorr.com/paintings.html

Gabriel Rodriguez Gabo (La Paz, B.C.S.)

http://www.garodriguez.com/galeria3.html

Carlos Zazueta (Mazatlán, Sinaloa)

https://www.facebook.com/carlos.zeta

RD Galería (Aguascalientes)

http://www.ruidogaleria.hol.es/

Link del festival: 

http://www.entijuanarte.org/entijuanarte/mapa.php?no=0&id=13

Proyectos Alternativos: Festival Entijuanarte

Entijuanarte Frontera Creativa 2013 

Entijuanarte es un festival multidisciplinario llevado a cabo en la ciudad de Tijuana. Cada año, se reúnen artistas de distintas partes de República Mexicana en la explanada del CECUT para mostrar lo más reciente de su producción visual. 

En octubre de 2013 Johannes Höning (Alemania), Andrés Alvárez(Tijuana) y su servidora Georgina Celaya (D.F.), conformamos un equipo para llevar al público de Tijuana la obra de los artistas Melinda Szabo (Hungría) y Cynthia Chong (México, Elti lora (La Paz B.C.S.)y Francisco Barrón (La Paz B.C.S.). 

Entijuanarte fue el segundo proyecto independiente en el que participé como curadora y gestora cultural. La experiencia me brindó la oportunidad de conocer la escena artística de otras ciudades del país, así como las propuestas de varios artistas y algunas tendencias del arte emergente. 

La reseña del festival la pueden leer en este blog dando click en la etiqueta "Los centros se desplazan", la cual aparece al final de esta entrada. 

Equipo de Trabajo: 

Johannes Höning: museografía y montaje. 

Andrés Alvárez: video, fotografía y gestión. 

Georgina Celaya: gestión, curaduría y museografía. 

Artistas: 

Cynthia Chong: artista visual. 

Melinda Szabo: artista visual.
Elti Lora: artista visual y director de "la Medusa" espacio independiente, alternativo y autogestivo.
Francisco Barrón: pintor 

Stand de las artista Melinda Szabo y Cynthia Chong. Foto: Andrés Álvarez.

Proceso de montaje y entrevista con la artista Melinda Szabo, quien explica algunas de sus piezas en exhibición. 

Actividades culturales en La Medusa

VISITAS GUIADAS

Visita guiada en la inauguración de la exposición Imaginantes y Pre-textos.

Foto: Julieta Sánchez Hidalgo

Cartel del Festibike 2013.

Diseño: Elti Lora

Visita guiada a ciclistas en el marco del Festibike. Foto: Elti Lora

CHARLANDO SOBRE ARTE MEXICANO

Diseño de carteles: Elti Lora

PRESENTACIÓN DEL CATÁLOGO

Diseño de cartel: Elti Lora

Proyectos curatoriales: "Imaginantes y Pre-textos"

"Imaginates y Pre-textos"

 

Imaginantes y Pre-textos, fue una exposición inaugurada en julio de 2013. Tuvo lugar en La Paz B.C.S., una ciudad muy joven de bellos paisajes naturales, con poca oferta cultural y una escena artística intermitente que en estos momentos brilla de manera particular. 

La Paz no cuenta con un museo de arte propiamente dicho, tan sólo con la galería Carlos Olachea que no tiene una colección ni acervo permanente. Sin embargo, muy cerca del malecón se han abierto galerías, cafeterías, bares, centros culturales independientes, restaurantes o incluso boutiques, que han brindado y siguen ofreciendo un espacio a los artistas y sus proyectos, presentando desde muestras de teatro, conciertos, charlas, talleres, ciclos de cine, o bien la obra de algunos artistas visuales. Estos lugares, en cierta medida han ayudado a impulsar la escena artística y cultural de la ciudad, así como a mantener activos a los artistas locales ofreciendoles un escaparate para sus creaciones. 

Un caso sobresaliente es el de La Medusa, un centro alternativo, independiente y autogestivo que funciona como taller y espacio de exhibición. En este sitio se llevó a cabo Imaginantes y Pre-textos, una muestra del Colectivo Catapultas, un grupo conformado por nueve artistas de diferentes partes de la República y el mundo, cuyo objetivo es "catapultar" su trabajo a plataformas poco convencionales.

La primera exposición del colectivo se llevó a cabo en el marco del festival "UND 7", en Karlsruhe Alemania; Imaginantes y Pre-textos fue la segunda exhibición del grupo y mi primer proyecto independiente en el que participé como curadora. A partir de esta muestra, es que comencé a trabajar con las artistas de manera más cercana, sobre todo para buscar espacios de exhibición y trazar los puntos de encuentro y la relación entre sus piezas, además de generar discursos y propiciar el diálogo con el público a través de la difusión de su trabajo, principalmente. 

En el marco de la exposición, se organizó un ciclo de charlas sobre arte mexicano, así como la presentación del catálogo digital, un material pensado para su libre difusión para el que escribí el texto De la visualidad a la textualidad. En dicho texto desarrollé la propuesta curatorial, además de ofrecer una breve semblanza del Colectivo, así como fotografías de algunas de las piezas exhíbidas. 

Además, como parte de la labor de difusión, se dieron varias visitas guiadas al público interesado; durante el Festibike, un festival 100% lúdico en pro del ciclismo urbano organizado por Frank Aguirre Riveros, se ofreció un paseo a las pocas galerías activas en la ciudad de La Paz, entre ellas La Medusa, ahí di una visita guiada a la comunidad ciclista que participó en el evento, siendo para mí uno de los momentos más entrañables y memorables del proyecto.

 En la etiqueta "Actividades culturales en La Medusa", pueden encontar los carteles de las actividades llevadas a cabo en el marco de la exposición Imaginantes y Pre-textos. 

 

Algunos espacios para el arte en la ciudad de La Paz: 

• La Luciérnaga

• La Encantada  galería, cava-deli

• Casa Parra 

• La Medusa 

• Buey Cup Café 

• Tamal Gallery 

 

Nota de prensa de la exposición publicada por el periódico digital Octavo Día:

 

http://octavodia.mx/articulo/42578/quotimaginantes-y-pre-textosquot-nueve-artistas-emergentes-de-mexico-en-la-paz